Tick, Tick…Tick, Tick…Boom！強納生‧拉森的倒數時刻
《吉屋出租》（Rent）或許是多數台灣觀眾與美國作曲家、劇作家強納生‧拉森（Jonathan Larson）最近的橋樑，這齣改編自普契尼經典歌劇《波希米亞人》（La Bohème）的搖滾音樂劇，在 1996 年席捲東尼獎與普立茲獎，為百老匯揭開了新時代的序章，戲中描寫一群生活在紐約下東區的藝術家與音樂家們，在窮苦困頓與愛滋病的陰影下，於理想與生存之間掙扎、於失去與挫敗之間成長，學習著關於生活、關於藝術、以及關於愛。
不要再怪演員咬字了！真正讓你聽不懂音樂劇的兇手在這（下）
在上期的文章中，我們從字幕機開始，聊到了在劇場中的歌唱該如何才能被「聽懂」，進而向大家介紹了關於執行面（演員／音控）與設計面（導演／編舞／編曲）上，該如何處理以有效投射文本的要點，接著也說明了在文本創作的詞曲咬合上，不同的樂句構成產生的聽覺效果各異，這次，我們要來看看所謂詞曲咬合概念的核心：語言聲韻與旋律音高的關係。
不要再怪演員咬字了！真正讓你聽不懂音樂劇的兇手在這
儘管過去筆者多位國外英語系師友皆表示，他們在觀賞百老匯音樂劇時大概也會錯過 10 % 的資訊，而對字幕機的長年依賴，導致華語觀眾深怕錯過任何一個字詞的心態也值得討論，但身為一個音樂劇創作者，將你的文本詞曲確實投射給觀眾、進而說好一個故事，本來就是最核心的根本，因此，今天我們要來認真討論一下，一齣音樂劇若沒有字幕，到底該如何做才能讓觀眾有效聽懂。
唱我們的歌
於是從《月光下的搖擺少女》到《台灣有個好萊塢》，從《四十年》到《帶我去月球》，透過一部又一部作品的累積，整個台灣流行樂產業的脈絡逐漸在我腦海中成形，而我也在這條長河上，順著先人的音符神遊，遙想舊日風華，進而用更多自己的作品與之對話。
曲式與鉤子的敘事魔法（二）
若以「AAA」的曲式來建構這首歌，在此設定下，每個 A 都是一段獨立的完整論述，它們可能是演唱者依序列舉評論不同人事物、又或是不同背景立場的人輪流抒發心境。因此，每一段 A 可能會是阿中部長向民眾介紹各種不同疫苗的差異、又或是不同行業別的人分別出來闡述各自在疫情下的心聲，但無論是哪種設定，每個 A 都會導向一個共同結論：輪到你就去打！
曲式與鉤子的敘事魔法
但寫一首音樂劇歌曲的難度，可是遠高於純音樂的歌曲創作，它不只是為台詞譜上音符、或是將文本書寫成看似工整的歌詞，更非恣意安插一味抒懷卻讓戲劇停滯的歌曲於場景之間。
音樂的戲劇調味
但音樂本身卻會給我們一種來回試探，甚至情慾、激情等心理層面的主觀感受，其他如一般會說大和弦溫暖明亮、小和弦悲傷黯淡、大提琴音色厚實溫暖等，大多也是這層面的意涵，只是這究竟是來自音符本身在物理頻率上給人身體的影響、還是也是某種「文化」的累積，就又是另外一個音樂學的問題了。
紐約學子的游牧人生
記得曾聽她提過自己來自中國頗有背景的家庭，以及她拍完片後，由於題材敏感導致底片差點帶不回美國的故事，但在我的紐約回憶裡，她整個人由裡而外就是一個吉普賽詩人、嬉皮還有印地安人的綜合體，對我來說，她身上最找不到連結的大概就是資本主義與（所謂）中華文化吧。
we Love musicals, but we’re not Perfect. now Change!
今年有幸看到它能在台灣與更多觀眾見面，在市場給予好評之餘，若仔細研究其歌曲脈絡、結構、咬合、堆疊、語法，你會發現，這齣戲成功的關鍵並非單純所謂「劇本好」或「音樂好」，而是「詞曲寫作」的高明、「詞曲咬合」的緊密、以及配器色彩上的各種「符碼」。
當「金蓮」成為「金蓮」
在構思《當金蓮成熟時》的最初，我便決定以帶有強烈律動的黑樂曲風作為基底，來描繪「性」以及「慾望」，舉凡藍調、爵士、節奏藍調、雷鬼、放克、搖擺樂、森巴，都是用以刻劃角色與情境的調味料。
音頻的美妙共振：從合聲到合唱編寫
在這樣的狀態下，理解合聲的方式是非常直覺與本能的，也就是跟著旋律與背後的和弦（音樂編曲），讓耳朵帶領你的聲帶，找到某種平行於主旋律（或帶有些微變化）的線條。
在新世界遇到紅髮傑克
學生時代除了練吉他、玩樂團外，最喜歡翻閱華語流行專輯內頁的 credit（參與專輯製作的人員名單），從中認識自己喜歡歌曲的幕後製作團隊，從製作人、編曲、到樂手與混音師，是九Ｏ年代的音樂屁孩們認識產業與前輩的重要途徑。