用「歌曲」來敘事，是音樂劇的核心本質，在此形式下，歌詞不只是歌詞，而是演唱者（演員）的台詞，音樂也不只是配樂，而是烘托角色個性與心境、強化戲劇的內在動能，文字與音符結合，詞曲加乘出美妙的旋律魔法，音樂劇迷人之處，便在於此。
對多數人而言，寫歌這件事不至於太難想像，在你對某個主題有感的情況下，先創作出帶有某種結構與格律的文字，接著再用鋼琴或吉他，找出適合那些文字的旋律以及背後的和弦，又或是兩者對調，先有曲再有詞；但寫一首音樂劇歌曲的難度，可是遠高於純音樂的歌曲創作，它不只是為台詞譜上音符、或是將文本書寫成看似工整的歌詞，更非恣意安插一味抒懷卻讓戲劇停滯的歌曲於場景之間。
一首歌曲的元素包含詞曲、和弦、節奏、編曲等，而在形式上，有兩者對音樂劇歌曲來說格外重要，一是曲式（Song Structure），二是鉤子（Song Title or Hook），前者構成音符整體的起承轉合與動態，在適當的反覆與變化之間，牽引著聆聽者的情緒，完成一段（通常是）3 至 5 分鐘的聽覺旅程；後者則往往是一首歌曲內最令人印象深刻的一句，除了聽覺抓耳外，也是歌詞主旨或開展的核心。
因此，要把一段戲劇文本改寫成一首音樂劇歌曲，等於是要將一段帶有某種自由與開放性戲劇節奏的台詞，改寫成一段由一句鉤子出發、並在某種曲式框架下形成有格律與節奏的歌詞，透過「曲式」與「鉤子」的形式工具，以音樂來推進戲劇、傳遞情感。 將原本的戲劇結構轉換、改寫，並扣在音樂結構上，音樂劇困難之處，便在於此。
音樂劇的曲式，大抵來自於流行音樂，但往往會因應戲劇結構，發展出更複雜的變化型。在此簡單介紹三種當代流行音樂的基本曲式，分別是「AAA」、「AABA」、「Verse／Chorus」。
「AAA」的型態最為單純，每個 A 往往是 4 到 8 句不等的段落，自成一格，一首歌曲由多段 A 組成，由於結構缺乏變化，因此 A 本身的起承轉合便特別重要，世界上多數地方民謠、兒歌，多半是此種曲式；「AABA」的歌則是 AAA 進一步的變化，在連續兩段 A 之後，安插了一段 B（橋段），帶聽眾耳朵去了些別的地方後，再回到 A 段，形成一個大塊的起承轉合。此種曲式發展於 1920 年代，多數爵士 Standard 樂曲以及抒情流行歌曲，皆為 AABA 的曲式。
至於「Verse／Chorus」的起源最早可以追溯到 19 世紀中，譬如說美國地方歌謠〈Oh! Susanna〉，此曲式在 20 世紀初沒落後，卻隨著 1950 年代搖滾樂的興起，再度獲得重視，進而成為當代流行音樂曲式的大宗。在此曲式下，Verse（主歌）多為鋪陳、氛圍建立等客觀描繪，Chorus（副歌）則是情感抒發、立場表述、意識形態呼告等主觀宣洩，Chorus 與 Verse 往往會有極大反差，Chorus 通常極為鮮明、肥厚、抓耳，Verse 則較為低調，當今台灣 95% 以上的流行歌曲，皆是 Verse／Chorus 曲式。
至於鉤子，在三種曲式內分別會位於不同的位置，以「AAA」或「AABA」來說，鉤子往往發生在 A 的第一句或最後一句，「Verse／Chorus」則是發生在 Chorus 的第一句或最後一句，因此也可以想成，A 段與 Chorus 分別是此兩種曲式內的主旨所在。又或是說，一首歌曲如果直接在第一個段落就唱出了鉤子，它就是「AAA」或「AABA」，但如果是經過一段或兩段的 Verse 鋪陳，到了 Chorus 才炸開，那它就是「Verse／Chorus」；當然偶有些 Verse／Chorus 的歌曲會先由一段 Chorus 開始，之後才進入前奏、開始 Verse……但如果理解了上面概念，應該不難分辨。
此外，Verse／Chorus 的型態也有著更多小單位，譬如說 Pre-chorus、Bridge、Outro……有興趣的朋友可再自行研究。唯國內業界，常常會把 Verse 講成 A 段、Pro-chorus 講成 B 段、Chorus 講成 B 或 C 段，這現象一來容易與 AABA 混淆，二來也極為不專業，在這網路資訊極為自由的時代，未來若要與國際接軌、跟上產業共識，業內先進與同儕們或許該好好正名之。
下回將以音樂劇歌曲實例討論曲式的戲劇效果。