無論是影像或是戲劇，配樂都是非寫實的一種存在。觀眾在戲院中觀影，先是看到銀幕畫面、聽到對白、環境音與音效，理解寫實的戲劇情境後，再進一步聽到那些帶有戲劇情感暗示的非寫實音符；這樣的「資訊傳遞」層次，對電影配樂家的腦來說格外重要，也是配樂作曲與一般作曲不同之處，畢竟配樂的存在是為了輔佐觀眾進入故事劇情、感受更深刻的情感，而非展現作曲技巧，甚至打斷觀眾、干擾入戲，正如同音樂製作人在混製（流行）歌曲時，也會把主唱人聲當作聆聽重點，去思考背後編曲配器的音色、位置與音量。不管是配樂或是流行歌曲，感官的平衡與層次，其實都是從編寫創作端開始就要思考的。
但，這樣的思維對處在 2019 年的我們來說，似乎受到愈來愈多的挑戰與衝擊。
前陣子在與一個影集製作單位開配樂會議，製作人提到，現在許多觀眾都是透過手機收看平台內容，因此希望配樂要做得「用力」一點，無論是音樂進出、音符張力、戲劇性、情緒都要更滿、更明確、更直接，讓效果與功能可以清楚被辨識與達成。換句話說，在判斷配樂質地與情緒強度的當下，創作者心中的尺，要從「電影配樂」往「廣告配樂」移動，因為觀眾觀影當下的「媒介」是手機（耳機）而非大銀幕與喇叭，「狀態」也可能是在捷運上或是咖啡店、甚至一邊在做別的事，而非安靜坐在戲院影城裡。
類似的狀況，在流行音樂工作領域其實也存在著。幾年前在錄音室混製某線上歌手作品，混音師與我（編曲／製作）、歌手一起用頂級喇叭來回反覆多次比對調整後，完成了一個大家都還不錯滿意的 mix，接著歌手請混音師輸出 mp3 檔（一般都是用更高規格的 wav 檔），再寄到他的電子信箱，讓他去樓梯間用手機耳機檢查，然後他再回來與混音師針對手機聽到的狀態做混音修正；又或是某次編曲時，唱片公司的製作人提醒我前奏絕對不要超過 10 秒，不然數位平台上的聽眾會沒耐心，要讓人聲快點出來，而且一定要把鼓編得重一點，這樣聽眾透過手機聆聽才會清楚感覺到律動感與重量。
上述的情事，自己在第一次遇到時，真的都會進入一種震撼教育（或傻眼）的狀態，因為跟自己從純創作端出發、不管是藝術性或是專業性的思維相比，真的都太不一樣了。但久而久之，不知是否自己也漸漸被產業或江湖馴化，有時好像也可以體諒產業面或商業面的這些選擇。到最後，反倒是自己需要因應不同工作屬性、不同位置權責、不同團隊組成，更有彈性、更開放地去溝通交流，以完成大家都開心的成品。然後某個夜深人靜的夜晚，才深深意識到，純粹的創作，是多麼幸福的一件事。
制度如何影響行為，是社會學與管理學時常在討論的議題，但我更關切的是，（消費者）行為其實又進一步影響了創作；當然每個時代每個產業都會在這樣的衝突與挑戰下，發展出屬於自己獨特的文化現象。只是身為創作者，難免會想著，那創作能否影響制度呢？又或者說，能否為了保護創作，而制定更能約束（消費）行為的制度呢？
哇，這真是關於理想與現實的一個大哉問。
